Como a cultura soundsystem jamaicana mudou para sempre a cultura das pistas de dança?
Créditos: BBC London
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(conteúdo traduzido do original da Mixmag UK, com texto original de Marcus Barnes em parceria com Rum Stripes)
Quando o HMT Empire Windrush chegou às costas britânicas em 1948 – mais precisamente em Tilbury, Essex – ninguém poderia prever as reverberações que ele teria na cultura musical do Reino Unido. Embora não tenha sido o primeiro navio a trazer caribenhos para o Reino Unido, foi o primeiro a desembarcar na Grã-Bretanha após a aprovação da Lei de Nacionalidade Britânica daquele ano (a lei que deu status de cidadão britânico àqueles que eram imigrantes coloniais). Por isso, ela é frequentemente citada como uma representação da “chegada” dos caribenhos ao Reino Unido. A chamada Geração Windrush começou a se infiltrar nas comunidades britânicas a partir de 1948, e essa geração era formada principalmente por pessoas residentes nas ilhas do Caribe.
A música sempre foi um aspecto intrínseco da vida caribenha, intimamente ligada à sua história social e cultural. Do calipso e soca ao jazz, soul, zouk, merengue e, é claro, reggae, a música está no centro da vida cotidiana de milhões de pessoas.
Na Jamaica, a maior e mais influente ilha do Caribe, os sistemas de som ganharam destaque no final dos anos 40. A pobreza e a exclusão social estavam por trás da engenhosidade que levou ao nascimento da cultura do soundsystem. As pessoas de áreas carentes não tinham acesso a shows ao vivo, e algumas não podiam nem comprar seu próprio rádio. Os sistemas de som “faça você mesmo”, construídos à mão, permitiram que as pessoas do “gueto” inovassem e transmitissem suas próprias músicas, promovendo um senso de comunidade e contornando o rádio, que ainda estava sob o domínio colonial naquela época.
Inicialmente tocando R&B dos Estados Unidos, os sistemas de som evoluíram paralelamente ao desenvolvimento dos sons exclusivos da Jamaica: rocksteady, ska e, no final dos anos 60, reggae. Pioneiros como Tom Wong, Duke Reid e Sir Coxsone foram fundamentais na construção das bases da cultura do sistema de som. Essas instalações do tipo “faça você mesmo” capacitaram pessoas de áreas carentes, inspirando-as a empregar conhecimentos técnicos avançados, e sua popularidade aumentou à medida que mais e mais pessoas se inspiraram a construir seus próprios sistemas. Com o tempo, surgiram confrontos sonoros, pois a natureza competitiva dos jamaicanos alimentou o desejo de provar qual sistema era o melhor.
O modelo da cultura soundystem – pilhas de alto-falantes, amplificadores, toca-discos, um DJ/seletor, um MC e uma pista de dança – foi introduzido na Grã-Bretanha pelos imigrantes caribenhos que chegaram durante a segunda metade do século XX. Por se sentirem excluídos dos clubes tradicionais e por lidarem com a discriminação cotidiana que existia na época, muitos caribenhos começaram a organizar seus próprios eventos musicais. Esses eventos geralmente assumiam a forma de festas clandestinas, nas quais um sistema de som era instalado na sala de estar ou no porão de alguém.
Assim como os sistemas de som originais da Jamaica, havia um elemento desafiador, dando aos habitantes da ilha a chance de se unirem como uma comunidade diante do isolamento. Um dos primeiros sistemas de som no Reino Unido foi fundado por Duke Vin, um aprendiz de Tom Wong. Sons como TNT Road-Show, Rapattack, Touch Of Class, Beatfreak, Funkadelic Soul Sound e Soul II Soul estavam entre os inúmeros soundsystems que surgiram nos anos 80, promovendo grooves raros, o soul, o funk, o electro e o house inicial. Durante os primeiros anos do acid house, o sistema de som Shock de Zepherin Saint foi um dos principais recursos da Room Two no lendário RIP at Clink Street. No Notting Hill Carnival, sons poderosos como Rampage, Channel One e Aba Shanti-I, sem esquecer o incomparável e altamente reverenciado Jah Shaka, trouxeram os sons da Jamaica para as ruas de Londres.
Os ecos do passado ainda são sentidos hoje, pois a cultura do soundsystem – o modelo físico, bem como sua influência social e cultural – continua a inspirar a evolução da dance music no Reino Unido. Do jungle/drum ‘n’ bass ao garage, grime e dubstep, o espírito dos soundsystems jamaicanos é inconfundível e, assim como a própria música reggae, foi traduzido para comunidades e culturas de todo o mundo.
OS MC’S
A noção de MC tem suas bases na cultura do sistema de som. Desde os estilos formativos do pioneiro dos anos 50, Count Matchuki, que era um seletor que também usava o microfone, até Jah Stitch, King Stutt e um dos mais populares dos primeiros microfones, U-Roy. Esses “deejays”, como eram conhecidos, desenvolveram um ofício conhecido como “toasting”, ou seja, entreter a dança com uma variedade de acompanhamentos vocais para a música. Desde comentários cômicos até a ostentação da proeza de seu som, passando por rimas básicas e canto, a arte de brindar tornou-se uma parte inerente da cultura do sistema de som.
As primeiras incursões de Count Matchuki ocorreram nos anos 50, enquanto U-Roy ganhou destaque no final dos anos 60. Nos 30 anos seguintes, o brinde evoluiu para a cultura dos MCs e, na época em que estava sendo integrado ao Reino Unido, um modelo, incluindo MCs, havia sido formalizado. Nos anos 70 e 80, os soundsystems surgiram em todo o Reino Unido, onde havia uma grande população caribenha. De Sheffield a Midlands, West Country e Londres, esses centros comunitários criativos eram essenciais e os MCs eram uma parte fundamental de toda a configuração.
É aqui que encontramos as raízes da cultura britânica de MCs. Conforme destacado por vários MCs com quem conversamos para este artigo, houve uma onda inicial de MCs e sons que inspiraram a primeira geração de controladores de microfone da dance music. “Saxon, Coxsone, Volcano, Java, Unity soundsystem”, disse-nos o MC de garagem CKP. “Os MCs com os quais eu me identificava eram os que faziam o público vibrar e os que tinham letras – Tippa Irie, Papa Levi, Rusty, Daddy Sandy, Demon Rockers, Flinty Badman, Navigator… caras que estavam em um soundman ting”. Os Ragga Twins e o Navigator (então conhecido como Specky Ranks) faziam parte do Unity Sound, enquanto Tippa Irie, Papa Levi, Daddy Rusty e Daddy Sandy eram do Saxon.
Avançando para os anos 90, o jungle e o garage replicam o modelo do soundsystem, com os MCs formando os principais pilares dos gêneros emergentes. O jungle precedeu o garage, que depois deu origem ao dubstep e ao grime, novamente seguindo o mesmo modelo. Os anos 90 também viram o surgimento do dancehall na Jamaica. Com sua crueza e seu lirismo muitas vezes “hardcore”, o dancehall ganhou popularidade entre o público mais jovem e as “fitas de som” resultantes (ou seja, gravações de choques sonoros) chegaram ao mundo todo. MCs como Eksman atribuem a essas fitas a influência em seu próprio desenvolvimento, com ícones do dancehall como Bounty Killer, Buju Banton, Ninja Man, Beenie Man e Super Cat, entre aqueles que inspiraram uma geração de MCs que cresceram nos anos 90. Sem esquecer os artistas de hip hop e rap que também influenciaram o contingente britânico. As raízes do hip hop também podem ser parcialmente atribuídas à cultura do soundsystem, mais uma vez trabalhando com o mesmo modelo.
Rewinds
No que diz respeito ao MCing, vem o rewind ou reload. Esse elemento, às vezes polarizador, da cultura da dance music vem diretamente da Jamaica. Hoje em dia, o reload vem de duas fontes de energia igualmente alta: 1) uma grande música é tocada e o público responde tão enfaticamente que o DJ tem que rebobinar ou 2) o MC fica tão entusiasmado que o DJ faz um reload – isso é mais comum no grime. A origem do rewind está ligada a Ruddy Redwood e seu erro de pegar uma versão instrumental do que ele pensava ser uma gravação vocal. Ao fazer isso, ele é creditado por ter acidentalmente “inventado o rewind”, pegando o instrumental inúmeras vezes quando o estreou, devido à resposta do público.
Em sintonia com a evolução do brinde, a frase “haul and pull up” tornou-se popular, com os DJs animando o público ao pedir aos seletores que rebobinassem certas músicas – e também dando a eles mesmos mais espaço para falar as letras ou se comunicar com a pista de dança. Hoje, essa frase ainda é usada, juntamente com “Who says rewind?”, “Pull up”, “Inch up”, “Take it back to the T-O-P” e outras.
Em 2025, os rewinds ainda são usados em todo o mundo, por DJs de jungle e drum ‘n’ bass, seletores de garage e também pela comunidade de dubstep e grime. Eles geralmente proporcionam pontos altos energéticos em sets, aumentando a potência de uma música e dando à pista de dança um momento de pico, seguido de uma chance de reiniciar. Diz a lenda que a icônica música d’n’b “Pulp Fiction”, de Alex Reece, recebeu seis rewinds na primeira vez que Fabio a tocou. Alguns DJs também incorporam rewinds, ou spinbacks, em seu estilo de mixagem, acrescentando dinamismo a uma transição. Ame-os ou odeie-os, os rewinds são cruciais para a dance music britânica – tudo graças à cultura do soundsystem.
Um novo desenvolvimento, inspirado por esse elemento da cultura soundsystem, foi que as bandas ao vivo em confrontos sonoros imitavam um rewind a pedido do vocalista para o qual estavam tocando. Assim, tornou-se comum ver artistas como Bounty Killer e Ninja Man se apresentarem com uma banda ao vivo e gritarem “Wheel!” e a banda recriar um som de “rewind” com seus instrumentos. Isso foi reproduzido muito recentemente pela The Outlook Orchestra, que incorporou um rewind de “Original Nuttah” de Shy FX e UK Apache em sua apresentação.
Remixes e Dub Versions
A primeira execução acidental de um instrumental por Ruddy Redwood deu início a um novo caminho no reggae, o advento do dub. Dos instrumentais simples aos efeitos científicos de distorção empregados por pioneiros como King Tubby, Scientist e Lee “Scratch” Perry, o dub reggae e sua potência viajaram por toda parte, influenciando a dance music de inúmeras maneiras.
Os métodos inovadores usados por Tubby, Scientist e Scratch ajudaram especialmente a formar a base para uma infinidade de estilos na música eletrônica. Echo delays, reverbs e uma técnica de produção baseada em enfatizar o espaço na música podem ser ouvidos em balearic beat, house music, jungle e drum ‘n’ bass, garage e, é claro, dubstep e dub techno – seus descendentes mais próximos. Os dubs começaram a aparecer com força na house music nos anos 90. Um dos produtores mais famosos de versões dub é Marc Kinchen, também conhecido como MK, cujos “MK Dubs” eram predominantes na cena house dos Estados Unidos e de Londres, onde os pioneiros do garage tocavam sua música em seus sets.
De forma semelhante, surgiu o remix, que se origina das primeiras experiências com a remoção de vocais e a criação de novas versões de gravações existentes. Essa desconstrução e reconstrução da música formalizou uma técnica que estabeleceu o padrão para uma maneira totalmente nova de criar música.
Na era de formação do final dos anos 60 e início dos anos 70, o remix foi desenvolvido na Jamaica e depois adotado por artistas americanos como Tom Moulton e Walter Gibbons, que inspiraram DJs como Larry Levan no Paradise Garage. Hoje em dia, os remixes são a norma, com inúmeros EPs apresentando versões alternativas da faixa principal ou LPs de remixes com equipes de estrelas encarregadas de retrabalhar um álbum inteiro.
Dubplates
Dubplates são sinônimos de música jamaicana. Vindos do pioneiro da música dub, King Tubby. A ideia de ter especiais únicos deu aos sistemas de som e seus seletores uma artilharia extra quando estavam em conflito. Um sinal claro da proeza de um sistema era a quantidade de dublês que ele podia usar. Conseguir que um artista de destaque gravasse uma versão especial de sua música famosa – insultando a oposição ou se gabando do som que sua dublagem representava – era vital para a vitória no confronto sonoro.
No jungle e no drum ‘n’ bass, os dubplates eram menos focados no elemento de conflito e mais na exclusividade. Os DJs mais conhecidos conseguiam ter acesso a novas músicas antes de todo mundo e, muitas vezes, estabeleciam relações estreitas com os principais produtores para colocar suas músicas no dub. DJs como Randall, Grooverider, Jumpin Jack Frost e muitos outros, às vezes, eram os únicos a tocar determinadas músicas no dub antes que qualquer outra pessoa as tivesse.
Com essas exclusividades em seu arsenal, os DJs galvanizaram seu já elevado status no circuito de DJs. Isso continuou com o garage, o grime e o dubstep. As casas de corte, onde os dubplates eram “cortados” em acetato por engenheiros, eram os principais centros dos gêneros. Locais famosos como Music House e JTS eram onde DJs e produtores se conectavam uns com os outros. Histórias de DJs maiores que pulavam a fila são muito comuns, algo que os DJs menos conhecidos tiveram que enfrentar.
Clashes
Conforme mencionado anteriormente, os confrontos sonoros começaram a se tornar comuns após o desenvolvimento inicial dos sistemas de som. Impulsionados pelo espírito competitivo inerente à cultura jamaicana, os confrontos são o catalisador por trás de toda uma série de inovações criativas, incluindo os dubplates e o remix.
Para simplificar, um confronto é uma disputa amigável entre dois soundsystems ou dois artistas, como aconteceu mais tarde no dancehall. O confronto tem regras, que geralmente se baseiam no respeito mútuo. Insultos e bravatas fazem parte de todo o show, mas nada abaixo da cintura. David Rodigan conta uma história em seu livro Rodigan: My Life In Reggae, em que seu oponente, em desespero, mencionou a cor da pele de Rodigan, baixando o tom e quebrando as regras não ditas do confronto.
Os confrontos são acalorados, mas espera-se que os participantes mantenham o respeito em todos os momentos. A linguagem e as letras muitas vezes podem ser violentas, especialmente nos dubplates produzidos, mas são metafóricas. O termo “kill a sound boy” significa derrotar o sistema de som, não matá-lo literalmente. Para uma pessoa de fora que não esteja familiarizada com a terminologia e a cultura do confronto, ele pode parecer muito mais combativo do que realmente é. O Saxon surgiu como um dos sons de clashing mais temíveis do Reino Unido nos anos 80, e suas proezas continuam sendo lendárias até hoje.
Os confrontos têm sido particularmente proeminentes no grime. Desde os dias de Wiley VS Kano no porão do Jammer para o Lord Of The Mics 1, até Chipmunk VS Bugzy Malone, o confronto e a energia competitiva fazem parte do DNA do grime desde o primeiro dia.
O Red Bull Culture Clash pegou esse conceito e o utilizou para colocar representantes de diferentes gêneros uns contra os outros. Em 2010, no The Roundhouse, Shy FX, como parte do sistema de som Metalhaedz, apresentou uma versão dublada de “On A Mission”, na qual Katy B criticou o som de Skream e Benga, apesar de Benga ter produzido a música. Isso plantou a semente para a aparição de Shy FX quatro anos depois com Chase & Status, David Rodigan e MC Rage como Rebel Sound, onde os artistas fizeram uma apresentação sem precedentes composta inteiramente de dublagens exclusivas. Seus adversários A$AP Mob, Boy Better Know e Channel One foram derrotados por uma série de dublagens com artistas como Emeli Sandé, Tempa T, Kurupt FM e Rihanna. Um desempenho que muitos observadores consideraram histórico.
A Energia
O que é mais aparente, quando ampliamos a visão e observamos a influência da cultura soundsystem na dance music, é a energia que permeia as gerações desde a década de 1950 até hoje. Veja, por exemplo, o falecido Lennie De Ice. Sua origem caribenha foi um componente vital de sua música fundamental “We Are I.E.”. A linha de baixo vem diretamente dos sistemas de som do reggae. Da mesma forma, quando você olha para Fabio, outro pioneiro do jungle, sua formação inclui ir a festas de blues quando ele era adolescente. Muitos dos pioneiros da dance music no Reino Unido, inclusive os de origem britânica, estavam recebendo influência do reggae, soul, funk, disco, electro e hip hop, misturando-os com influências eletrônicas futuristas e criando algo novo.
É impossível imaginar o cenário musical de hoje sem a cultura do soundsystem e sua vasta influência em grande parte da música que surgiu no Reino Unido e nos Estados Unidos no último meio século. Ela é a precursora de uma infinidade de estilos e gêneros, técnicas e pontos de contato culturais que se tornaram a norma, inspirando milhões de pessoas em todo o mundo.
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Dani Pimenta é jornalista musical, DJ e produtora cultural. Está sempre atenta às tendências e novidades da música independente mundial. É fundadora do Groovin Mood.
